Año uña, la opera prima de Jonas Cuarón, es interesante en su forma narrativa, la historia cuenta la llegada de una norteamericana que ha venido a estudiar a la ciudad de México, a su llegada a la capital se hospeda en la casa de la tía un adolescente salido de la pubertad -que no piensa más que en “tirarse” a su prima- el encuentro inminente bajo el mismo techo de la casa entre estos dos personajes se da y tras esto el comienzo de una relación en el cual ambos personajes a su manera encontrarán cierta comodidad para sus vidas.
Lo primero que llama la atención del armado de la cinta es la utilización de fotografías que no generan como tal un movimiento, -es decir, las fotografías que no corren 24 cuadros por segundo- un recurso poco frecuentado en un film, que deja a la imaginación las acciones y sucesos; Jonas Cuarón toma ventaja de ello; y hace que la edición de audio tenga el peso fuerte de la cinta; la narración en off y la utilización de sonido ambiente por momentos lucen.
Año Uña, tiene un desarrollo fluido, sin embargo, es un relato convencional y hasta superficial. Una historia estática que facilita la exteriorización de los pensamientos. Además inserta con agradable humor los estereotipos del mexicano-chilango y el extranjero cuando llega a la ciudad de México. Interesante el juego de narrativas sobre un mismo hecho. Bien, la ópera prima de Jonas Cuarón.
El británico Jonathan Glazer, es un director capaz de plasmar la desesperación de forma aguda y obsesionada haciendo un equilibrio con la sensualidad de sus personajes. Prueba de ello es su última película Under the skin, llena de imágenes perturbadoras para recordar; como ese negro líquido en el que flotan las víctimas de Scarlett Johansson hasta transformarse solamente en piel. Pesadilla argumental y brillantez autoríal absoluta. Revisemos algunas ideas sobre los filmes de Glazer.
Durante la década de los noventa Glazer se estableció como uno de los autores de videos musicales y comerciales más importantes del mundo. Su experimentación detrás de la cámara la plasmó en el cine a inicios de la década pasada. Su primera cinta del año 2000 fue Sexy Beast que retrata el retiro de un gangster británico; cuatro años después llegaría Birth, filme sobre la historia de Anna, una mujer que se convence de que su difunto marido ha reencarnado en un niño de 10 años. Y en 2014 llegó Under the skin, la adaptación de la novela de Michel Faber. Cada una de estas cintas es tan propia y definida que resulta imposible no identificar a un autor en su totalidad.
En Sexy Beast, Glazer explora el mundo de la violencia, la cual vemos presente en escenas de manera explícita. Hay una explosión violencia corporal y lingüistica por parte de Don Logan (Ben Kingsley), un calvo, irritante, y ascético, de mediana edad que viaja a España con la intención de obligar a un ex-socio a volver al negocio sucio del robo. Este sustantivo: violencia está expuesto de manera física pero también de manera psicológica, hay una presión permanente sobre el protagonista Gal (Ray Winstone). Nuestro protagonista desespera al saberse obligado a entrar de nuevo al negocio del robo, desespera por no poder continuar con su vida de tranquilidad, en fin está desesperado por no tener una vida propia. En Sexy Beast encontramos también a Nicolas Refn, ambos comparten la fascinación por el terreno del juego, el odio incontrolable y la violencia provocada como vimos en Pusher (1996) y Bleeder (1999).
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Si el gran amor perdido de tu vida apareciese sin previo aviso, después de caer muerto –literal- hace diez años, ¿cómo reaccionarías? Básicamente, sobre esa pregunta versa el fondo de Birth, que nos presenta a Anna (Nicole Kidman), personaje que sería digna representante de psicodramas femeninos de Ingmar Bergman, desde la complejidad en el desarrollo femenino de Viskningar och rop (Gritos y susurros, 1972) hasta la dinámica madre-hija de Höstsonaten (Sonata de otoño, 1978). El problema de cómo el afecto reminiscente hacía una persona te lleva a tomar ideas y decisiones encuentra en Nicole Kindman un nivel actoral impresionante. Anna, escéptica, termina en la desesperación, en el éxtasis, en el dolor y en el asombro de que un deseo tan grande como el estar de vuelta con el ser amado pueda convertirse en una realidad palpable; desbordando todo el orden a su alrededor al compás unísono de la overtura de Die Walküre de Richard Wagner. La apropiación y destrucción de identidad son los intertextos en Birth.
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Por último tenemos Under the skin. Desde la primera secuencia que representa la formación sustancial de un ojo, y sus paralelos con el universo hay una demostración de arrojó por parte de Glazer. La protagonista es Scarlett Johansson, un alien, convertido en una brunette despampanante que busca en su camioneta -sin un motivo muy claro- a víctimas para invitarlos a su casa, los cuales llegan con la ilusión de un affaire para al final ser objetos fatales de Johansson. El modus operandi es tétrico. La conjunción sonora con lo que vemos en pantalla es alucinante. Hipnotizante. Es horroroso y bello a la vez. Plus: en Under the skin; la misma Johansson es bella pero no se siente como un objeto inalcanzable, el ideal de belleza es terrenal.
Los planos abiertos son reflejo de la debilidad humana. Los vemos así en las escenas en el mar mientras se ahoga una mujer y un hombre queda inconsciente. O bien cuando “ella”, o sea, Johasson, camina por la acera sin rumbo fijo. Es una perturbadora experiencia sobre la tragedia de no sentirse humano. Vemos claras referencias a David Lynch; desde la secuencia en el camioneta con el hombre deforme que sin duda nos remite a The elephant man (1980) o bien la secuencia mientras Johansson está a punto de tener relaciones sexuales; referencia estética: Lost Highway. Incluso Glazer ha sido comparado con Kubrick, la referencia más directa es la escena de la sangre que asemeja The shining, oníricamente retratada en Under the skin.
Obviamente las semejanzas entre estos autores y Glazer, llevaría un tiempo mayor de disección para profundizar en sus paralelismos, lo anterior no fue objetivo de este texto, sería pertinente hacerlo en otra ocasión. Espero que si no ha visto esta tríada de películas se anime hacerlo este brevísimo texto tiene la función de explorar ideas expuestas en el cine de Glazer, siendo así sólo un aliciente para no perdernos la obra de uno de los directores que están revolucionando el cine de nuestros días.
La más reciente cinta del director Antoine Fuqua cuenta la historia de un boxeador que está en el tope de su carrera como pugilista; tiene una vida resuelta, con una esposa e hija que lo aman. El primer punto de quiebre de la cinta llega cuando en la búsqueda de concretar una pelea por el campeonato; el retador Miguel Escobar, primero en una conferencia de prensa y después en un evento de caridad buscará confrontar y llevar al extremo de la tolerancia a Billy Hope (Jake Gyllenhaal). Después de un embrollo un disparo da muerte a Maureen (Rachel Mcadams), -no hay spoiler, eso aparece en el trailer-.
Hablando en específico de Southpaw, la película es un viaje oscuro de Billy Hope dentro de la búsqueda de sí mismo así como de un reconocimiento profesional, al perder a su esposa también pierde todo -literalmente propiedades e hija-. El regreso al inframundo de los gimnasios populares, de los barrios bajos y de una redención con su hija.
Dicho lo anterior, no queda más que rescatar, la película es un cliché del cine de boxeadores, no hay manera de sorprenderse, la narrativa es austera y falta de imaginación. Lo elementos de los cuales Antoine Fuqua se desenvuelve para contar su cita son más que repetitivos; el director y guionista no encontraron una forma distinta de contar su historia, prueba de lo anterior es que Southpaw, en estricto sentido está basada lagunas películas de Rocky- si el referente más obvio y directo pensarán ustedes pero esto mismo es para mostrar la falta de ingenio de Antoine Fuqua.
Básicamente la cinta es una mezcla entre Rocky III y Rocky V. Si observamos a la lejanía los paralelos están ahí, en Rocky III, Rocky está en un momento cumbre de su carrera al igual que en Southpaw, Billy, está en una burbuja de ensueño. En Rocky III Mr.T. busca una pelea por el campeonato por medio de la provocación personal, señuelo símil utilizado en Southpaw por parte de Miguel Escobar. En la misma cinta de la saga de Sylvester Stallone el protagonista cae en un gimnasio de mala muerte ¡adivinen en donde para Billy hope!.
Mientras que en Rocky V, el protagonista pierde todas sus propiedades -lo mismo sucede en Southpaw, en esta misma película es evidente la fisura que hay en la relación en Gyllenhaal y su hija, muy cercana a la relación entre Rocky y su hijo en Rocky V, acaso la única diferencia entre una y otra cinta es que en algún momento de la cinta el manager de Billy Hope, interpretado por 50 Cent, le dice a Hope que en el ring los golpes, la sangre y el dolor que sentía arriba, eran sólo suyos, acaso, es la gran disparidad con Rocky en donde en la quinta entrega de esta saga en una caminata por una calle oscura Adrian le dice a Balboa que cada golpe que recibió en el ring, ella los recibió también. el manejo de los discursos para funciones distintas está bien hecho simplemente que las ejecuciones finales son de una disparidad abismal.
Lo rescatable es la actuación de Jake Gyllenhaal, que ha venido mostrando momentos sumamente agradable no sólo dentro de sta película sino también en otra más como en Nightcrawler Queda claro que a más de 20 años de distancia y con una gama de películas sobre boxeadores tan distinta que van desde Raging bull (Martin Scorsese, 1980), Million Dollar Baby (Clint Eastwood) o Fat City (John Huston, 1972), Fuqua decidió irse por el camino fácil muriendo de predicciones argumentales en toda la película, y personajes por demás vistos (un entrenador viejo y moralista, un villano latino, una hija que sufre por su padre hecho polvo y una mujer que será la inspiración de «Hope» para recobrar el camino del éxito -vaya descaro- todo esto se desarrolla desde el lugar común de la cursilería, el sentimentalismo fácil y un final falto de inventiva.
Si usted considera al cine como un creador de momentos que quedan capturados en la mente del espectador entonces en A girl walks home alone at night; la ópera prima de Ana Lily Amirpour hay dos que merecen ser descritos y recordados.
La premisa de la cinta versa sobre el mito del vampiro, situados en una ciudad industrial llamada Bad City, en Irán, observamos el andar noctambulo de una chica inmersa en la oscuridad de los suburbios. Una mujer cubierta con un chador, camina silenciosamente, desplazándose también en patineta, siguiendo a hombres, machos que maltratan a mujeres para quitarles la vida a la usanza vampiresca. Por otra parte tenemos al segundo protagonista un James Dean iraní, dealer y jardinero que ha subsidiado buena parte del consumo de heroína de su padre. Estos protagonistas de una u otra manera unirán sus caminos por una ternura amorosa increíble.
Al inicio de este texto mencionaba que este filme de Amirpour tiene dos momentos plenos dignos de recordarse, el primero, si usted ya vio la cinta, es aquel en donde los dos protagonistas se encuentran en la acera solitaria, posterior a una fiesta de disfraces, nuestro protagonista masculino vestido de “Dracula” emula gran parte del cliché del cine vampirico en la historia del cine, desde el Drácula de Terence Fisher, con la sofisticación de este ser hasta nuevas bifurcaciones del género como la expuesta por Jim Jarmusch.
El otro gran momento de la cinta es una escena por demás bella, tierna y llena de amor. De nuevo, nuestros protagonistas aparecen en primer plano, una bola disco gira en el cuarto, y entre los dos hay un acercamiento lento y pasivo. Su acercamiento al compás de Death de White Lies llena la atmosfera de un desenfado sostenido. Un acercamiento. Un no beso. El cuello desnudo a punto de ser mordido. La cabeza de nuestra protagonista se postra tiernamente en el pecho de su amante. ¡Brutal momento!
Los elementos que no pueden dejar de escapar al ojo del espectador son por ejemplo; la espléndida fotografía en blanco y negro de Lyle Vincent, un guion sutilmente tratado hablado en su totalidad en farsi. Una de las lecturas de la cinta es sí, un manifiesto feminista, también es una película que crea un universo propio que se desenvuelve y contiene así mismo. Una nueva cinta que nace a partir de la cultura pop.
En A girl walks home alone at night forma parte de esta nueva ola de películas de vampiros que están explorando el género a partir de nuevas aristas, en este blog, por ejemplo revisitamos en su momento películas como What we do in the shadows o Only lovers left alive, quizá esta última mucho más cercana al largometraje de Amirpour. No duden en verla y si les gustó, me cuentan y si no, también.
Segundo largometraje de David Robert Mitchell, conocido con anterioridad por su dirección de The Myth of the American Sleepover. En este segundo largometraje nos presenta una cinta del género de terror, vaya, decirles esto es sumamente general, ya que esta es una película que sale de la generalidad de las cintas de terror realizadas en estos tiempos. Comencemos con el análisis advierto que va con spoilers.
Estamos ante una de las más grandes cintas de terror de los últimos años, acaso, la mejor del que se ha estrenado en México este año -seguida de The Babadook-. It follows cuenta la historia de una chica que en un momento de calentura adolescente tiene relaciones sexuales con el chico con el que está saliendo y tras esto es “infectada/contagiada” de un tipo de “mal”, este mal radica en ser seguida por lo que nosotros consideraríamos un fantasma.
La premisa contada como lo acabo de hacer parecería de lo más sencilla y sin mucho sentido, sin embargo, It follows merece varias revisiones. Ya que las posibilidades de lecturas que se encuentran dentro de la cinta son increíbles.
Lo primero que llama la atención desde los primeros minutos en It follows es la atmosfera, la cual remite y se contagia de distintas cintas del género; un fantasmal recorrido por los suburbios y por lugares desolados (un bosque, un parque y la playa remiten a ese universo adolescente que están viviendo los personajes de plena soledad emocional, prueba de ello es que en toda la cinta la madre de la chica sólo aparece en una sola ocasión, no hay adultos de soporte, los jóvenes están solos en la pesadilla).
En una primera lectura parecería que la película versa sobre un miedo al sexo, y en un primer plano sí es evidente, sin embargo en el subtexto la cinta nos habla de esta dinámica social de los jóvenes hoy día -me incluyo- del one stand night, acaso, después de verla muchos pensarán dos veces en meterse o no con alguien de esa manera. En ese otro sentido, no habla de las enfermedades de transmisión sexual, la metáfora es más que obvia.
En ese sentido el tema de la sexualidad presente desde los primeros minutos se desarrolla con una lucidez, cachonderia sencillez y sutilidad, soberbias. Los problemas de los jóvenes están ahí, el descubrimiento de la sexualidad (el relato del primer beso), la friendzone, el cliché de ser atraída por el chico maduro/malo del vecindario, y la calentura de dejarse ir en un momento pasional. Por todas y cada una de estas situaciones los protagonistas pasan peripecias, en otra palabras, la adolescencia es terrorífica.
Aunado a lo anterior podríamos pensar que cuando uno habla de adolescencia estamos hablando de los chicos de hoy día, si pensamos al cine como un producto cultural que refleja a la sociedad en que vivimos. En uno de los primero momento de la cinta vemos a una chica leyendo de manera virtual en un dispositivo móvil, en la mis escena vemos a el grupo de amigos sentados observando una película en un televisor viejo, película en blanco y negro, además el vestuario es noventero-ochentero. La película es atemporal no habla de una generación en específico habla de un momento en la vida en donde el deseo, el engaño crean un grado de tensión admirable.
Al inicio de este texto les mencioné que esta película se sale de la generalidad de productos cinematográficos de terror que se han hecho últimamente, ustedes saben las películas de terror hoy día siguen una línea narrativa en donde el empleo una cámara rápida y el susto rápido están a la orden del día.
It follows logra una atmosfera gracias a los recursos sonoros que utiliza, un demencial sonido electrónico acompaña gran parte de la cinta creando momentos de verdadera tensión, además el uso de cámara estática, el paneo y el campo-contracampo utilizandolos más que para crear un susto, como un recurso para un mejor desarrollo de lo visto en pantalla –véase la escena en el estacionamiento posterior al encuentro sexual- son en verdad de agradecer.
Un apunte personal, el inicio narrativo de la cinta en donde el espectador no sabe del todo sobre qué sucede o por qué suceden las cosas me recordó a Upstream Colors de Shame Carruth-. El final si ustedes ya la vieron, es para mí un paseo… cursi por los infiernos adolescentes. De lo mejor del año.
CINE CAPITAL 