AMBULANTE 2015: MEMORIA OCULTA (2014)

Memoria Oculta es el primer documental de Eva Villaseñor, una joven cineasta formada en el Centro de Capacitación Cinematográfica, este mediometraje de sesenta minutos se presentó en la sección pulsos del Festival Ambulante,  además de ser un producto audiovisual que puede ser visto por miles de personas, es un documento íntimo de búsqueda personal para la autora. Eva, quien en su primera producción se encargó de la dirección,  la edición, la fotografía y el guión, se arriesga a mostrarnos, con una estética hermosa una parte difícil de un momento específico de su vida.

El argumento del documental es bastante simple y profundo a la vez, lo que vemos en pantalla son tres entrevistas realizadas a personas involucradas de manera directa con la directora, ellos son: Fernanda, una amiga de Eva, Miguel, hermano de Eva y la madre de la directora. A través de estas entrevistas nos vamos enterando del momento tan difícil que vivió Eva hace ocho años cuando de un momento a otro pierde la memoria y parte de su cordura con ella.

La estructura del audiovisual es sumamente interesante, en varios niveles de lectura, por un lado tenemos estas tres personas entrevistadas, de manera que la historia va hilando nuevos componentes de crudeza y honestidad por parte de cada uno de los entrevistados. Por otro lado este documental intimista, que nace de la motivación de búsqueda personal por un pasado que había permanecido oculto, tiene una característica sumamente peculiar, esto es, el espacio y estilo creado por la autora, ya que todas las entrevistas tienen una perspectiva frontal y directa pero también de alejamiento –y obstaculización (una mesa, o una pared en medio)- lo cual podría parecer que crea un distanciamiento con el espectador, sin embargo, esto es reflejo del sentir de la autora hacía lo que pudiese encontrar como respuesta en  esta parte “perdida” de su vida. Vaya, la crudeza es tal que es imposible no sentirse envuelto en tal historia.

En otro nivel de lectura el documental es importante porque a la par que nos vamos enterando de los hechos ocurridos mientras Eva cursaba el primer año de la carrera de cinematografía en el CCC, estamos creando una empatía emocional con la directora y a la vez estamos emulando –claro, guardadas las distancias- la experiencia que ella tuvo al poner la cámara frente a estas personas y no saber que respuestas obtendría a lo largo de las entrevistas. Brillante.

La conclusión del mismo, es una composición visual, en el cual encontramos imágenes de archivo posteriores al suceso narrado a lo largo del metraje, en el cual el espectador observa una serie de imágenes, que bien puden ser abstracciones de lo más profundo del subconsciente, en donde confluyen tanto naturaleza muerta –recordemos el pez en el lago- un grito estridente que cala los huesos o una sombra hermosa que juega a encontrarse a sí misma como un reflejo de su espíritu. Una especie de metarrelato creado para condensar las experiencias y las emociones a las que el espectador pudiese enfrentarse.

Para Eva, este documental representa llenar un vacío en su vida a través de superposiciones vivenciales, que no es otra cosa más que apropiarse de las experiencias de los entrevistados para llenar un hueco en el que su vida estuvo al borde del precipicio – o acaso cayendo del precipicio-, para nosotros no sólo nos habla de su experiencia sino también de la manera en que un individuo de la sociedad puede ser visto, y como reflexionar sobre estas experiencias al final puede ser vital para entendernos y comprendernos como sociedad.

Por aquí pueden leer y/o escuchar la entrevista que le hice a la directora del documental, Eva Villaseñor.

AMBULANTE 2015: SUPERMENSCH: THE LEGEND OF SHEP GORDON (2013)

Por lo regular cuando un documental gira alrededor de una persona la estructura del mismo tiene sólo a mostrar parcialmente la realidad de las cosas, una de las cosas que en lo personal me gustaron de la cinta que aquí reseñamos es que precisamente durante el filme observamos una estructura que capta dos momentos claves en la figura de Shep Gordon, desde su inicio frenético y alocado en el mundo del entretenimiento y su posterior cambio en el cual se involucra al mundo culinario y espiritual.

La premisa del documental es mostrarnos la vida de Shep Gordon, un manager/agente descubre talentos/cocinero/amante de las mujeres, quien comenzó  adentrándose en el mundo del entretenimiento representando a Jimmy Hendrix, Janis Joplin y Alice Cooper –en ese momento básicamente les suministraba marihuana- pero a partir de esos momentos la manera tan inventiva de presentar a los artistas con shows que fueron contra la tendencia de la mentalidad paternal y con contenido de rebeldía hacía los más conservadores fue lo que le valió hacerse de un nombre en el ámbito del «showbiz»

El arco narrativo de la cinta pasa de este punto inicial en la carrera de Shep a observar cómo se relaciona y se vuelve en creador de estrellas del rock como los son Alice Copper, en productor de cine y convive con otras celebridades del medio como lo son Silvestre Stalone, Micheal Douglas, o Sharon Stone, ésta última quien le llevó a encontrar cierta paz espiritual que también había encontrado con la comida, tanto así que comenzó a representar a chef de talla internacional.

La labor altruista de Shep para con todos su allegados es una manera más en que el documental nos presenta el lado positivo del protagonista, sin embargo, lectura que yo hice de este documental es observar a una persona solitaria y que sufre por la condición en que se encuentra, un hombre que buscó tener una familia, que se integró/apropio de una, -los hijos huerfanos de una novia de adolescencia- pero que en cierto sentido no se siente satisfecho con lo que pueda pasar posteriormente con su legado, si bien hay cierta comodidad en su vida, la soledad que existe a su alrededor en cierto sentido se hace presente al final del documental, así el mayor aporte del mismo es reflexionar sobre la importancia que hay detrás de ciertos lazos sanguíneos/ familiares y que este hombre no ha experimentado.

El documental dirigido por Beth Aala y Mike Meyers es sumamente divertido, y en verdad yo no sé si ellos buscan lograr el sentimiento de tristeza y desolación con el espectador respecto a la figura solitaria de Shep, hay muchos amigos que hablan de Gordon, el mismo Alice Copper es una parte importantísima en la narración del documental, y el tono del mismo es sumamente desfachatado; sólo los últimos 15 minutos toman un tono distinto que valen en el sentido de entender lo que para una persona que materialmente está más que satisfecha por otros terrenos no lo esté tanto.

AMBULANTE 2015: A HARD DAY’S NIGHT (1964)

En este festival ambulante se presentó A Hard day’s night, el filme de 1964 dirigido por Richard Lester que sin un argumento complejo es importante porque en cierto sentido definió el lenguaje del videoclip para los años posteriores. Básicamente la historia de la película es observar a The Beatles en un día común,  la historia comienza con el cuarteto de Liverpool escapando de una  multitud de eufóricas fanáticas mientras corren hacia un tren que los llevará al estudio de televisión en donde tendrán una presentación en vivo.

Si bien el guion de Alun Owen –lo reitero- no es la gran cosa, ya que en este filme observamos a los mismos Beatles interpretándose a ellos mismos, en el fondo podemos rescatar que la cinta tiene impregnadas las personalidades reales –por así decirlo- del cuarteto más famoso del mundo. Grabada con exceso de premura y un bajo presupuesto la cinta nos presenta varios tracks, alrededor de trece,  entre los que se encuentran: “Can’t buy me love” “I’m happy just dance with you” “And i love her” y entre otras tantas la canción homónima del nombre del filme “A hard’s days’ Night” cinta que tiene la apertura más famosa del mundo.

Si bien ya desde el año 1963 se intentaba realizar una película con las estrellas más importante del rock de aquellos años –y quizá en la historia del rock-, el humor elegante del cuarteto de Liverpool se hace presente en esta película que integra como protagonista al “abuelo” de Paul McCartney , personaje que sacará a relucir durante el  desarrollo del metraje cada uno de estos guiños de  las personalidades definidas de The Beatles, cada uno de esto cuatro músicos caerá en las provocaciones del abuelo y entrarán en un enredo de situación en el cual está en peligro la presentación en vivo para tv.

Si bien una cinta es fluida  tiene un lenguaje entrecortado, tipo “nouvelle vague”, además de momentos muy significativos, toda vez que vemos The Beatles interpretando cada uno de sus posteriores éxitos editados posteriormente en el homónimo Hard day’s night, aquel primer disco de canciones completamente originales firmadas por  McCartney-Lennon, en verdad observar al cuarteto de liverpool es fascinante, me quedo con ello. Si bien el documento audio-visual es un archivo que contiene parte de la historia de ciertos lugares, como puede ser el lenguaje, la arquitectura, los modos y costumbres, éste tiene en su haber muy en el fondo parte de las personalidades de The Beatles y que nos remite a un momentode la historia mundial cuando observamos la euforia multitudinaria por parte de las seguidoras que nos remiten a la Beatlemania, movimiento que para 1964 vio su llegada a tierras norteamericanas.

AMBULANTE 2015: EXIT THROUGH THE GIFT SHOP (2010)

Documental realizado por el artista visual Banksy sigue la vida de Thierry Guetta, un francés radicado en Los Ángeles, el cual su afición obsesiva por filmar todo y capturar cada momento de su vida y la de su familia detonó en la realización de este documental. Banksy, el artista que ha causado revuelo a nivel mundial por la composición de su estilo artístico siempre mostrándose ya sea en una galería de arte o bien en espacios que se vuelven focos de atención mundial, incursiona por primera vez en el género fílmico.

Regresando al tema del Thierry, esta necesidad compulsiva de grabarlo todo surge a partir de la muerte de su madre y del duelo apartado que tuvo, a causa de que por mucho tiempo se le oculto la enfermedad de su madre, bien, a partir de este suceso Thierry siente la necesidad del filmar y que no se escape de lente ningún momento familiar, así sus videos de manufactura casera comenzaron siendo algo que se mantendría como un documento personal llegaría un momento clave en el cuál Thierry comenzaría a integrarse al mundo del arte callejero.

El documental que sería al principio sobre el arte callejero y después sobre Banksy pero que finalmente abordó la historia de Thierry Guetta; desde mi punto de vista está contado en tres momentos distintos: el primero de ellos es cuando la afición de Thierry por filmar lo lleva a adentrarse al mundo del street art, el segundo momento es cuando comienza su búsqueda y posterior encuentro con Banksy y por último se conversión de filmmaker a artista visual.

El documental difícilmente se sostendría por sí solo en la figura de Thierry, por ello buena parte del mismo está basado alrededor del mismo Banksy y lo que ambos en conjunto hicieron, más allá de que éste último sea el realizador del filme, creo que este documental funciona más como una especie de reflexión sobre el arte mismo y no sobre la figura de una persona que se vuelve generadora de arte. Esto último lo sostengo por distintas razones, la primera de ellas es que observamos a varias figuras del street art siendo artífices de un movimiento callejero underground que de n momento a otro Banksy llevó a otro nivel en el cual los coleccionistas de arte comenzaron a pagar por sus obras y que estas comienzan abandonar las calles para instalarse en galerías para su exhibición y por último lo más interesante del documental es ver cómo es que un tipo de la noche a la mañana hace “arte” y en donde comienzan la verdadera reflexión del  documental.

¿El arte se crea a partir de ciertos cánones, hay un rigor estético, hoy día? ¿Actualmente en verdad hay una apreciación artística o  es más el ser parte de la experiencia en galerías? La abrupta consolidación de Thierry Guetta como Mr Brainwash siendo un artista visual que en una sola semana comenzó a vender sus obras en un valor de millón de dólares es parte de los cuestionamientos a reflexionar del documental y también cómo la expectación sobre algo puede más que el valor mismo de la obra, prueba de ello son las filas de miles de gente esperando la apertura de la galería “La vida es bella” de Mr. Brainwash, todo ello sin haber mostrado una sola obra antes de tal exposición. En un comentario personal termino este texto diciendo que el verdadero valor de Mr. Brainwash como artista visual que para mí es nulo.

AMBULANTE 2015: 20,000 DAYS ON EARTH (2014).

Documental dirigido por Iain Forsym y Jane Pollard tiene como palabra clave: Transformación,  entendida en distintos niveles.  Con base en el músico australiano, Nick Cave se enfoca en el proceso creativo actual de este legendario compositor, cantante, poeta y frontman de los Bad Seeds.

El documental se mueve geográficamente en Brighton, Inglaterra lugar de residencia de Nick Cave, encapsulándonos en un terreno entre el mar y la lluvia casi diaria que atormentan estas tierras del sur londinense. De esta manera se nos presenta a Nick Cave ya sea conduciendo, charlando con amigos, realizando entrevistas o bien asistiendo a compromisos laborales todo ello con un sentido revelación anecdótica para el público que visualiza el documental.

Cuando hablo de transformación como palabra clave del documental es porque en cada una de las actividades en que observamos a Nick, ya sea hablándonos en voz en off o hablándole a su compañero en escena, se nos muestran momentos claves en su vida que fueron coyunturales en Nick, y de esta manera el público pueda entender tanto la vida artística del otrora maniaco en escena así como la vida personal del hoy padre de dos hijos.

En esa dirección y para fundamentar lo anterior me remito a la entrevista en donde Nick habla de su padre y la relación que entabla con Dios a partir de la muerte de éste, o bien la anécdota de la presentación de Nina Simone y que fue un hito en la vida de Nick para posteriormente dar los tremendos shows que le caracterizan. También está aquella referencia del vecino de departamento que le mostró su piso y el decorado inmenso que cambió la percepción de la gente en Cave. Sin duda es un documental de sutilezas que todo fan de Nick comenzará a percibir como oro puro.

En ese sentido es interesante la manera en cómo el documental presenta el proceso creativo de Nick Cave, mostrándonos desde el cómo y cuándo surgen las ideas – ya sea en un pedazo de papel o en el piano- hasta presentarnos un ensamble completo con niños a coro siendo parte esenciales de piezas como “Push the sky away”; o bien la transformación que hay entre el padre de familia amoroso al bestial ser que suele ser en escena. Sin duda la parte final del documental termina siendo fascinante y emotiva porque la construcción narrativa sí fluye para desembocar con escenas de presentaciones en vivo en donde la emoción se desborda al ver a Nick en escena haciendo lo que mejor sabe.

Sí bien el documental es una suerte de promocional de su último disco en donde podemos observar presentaciones de canciones como “Higgs Boson Blues” o “Jubile Street” el documental pos sí sólo es un rescate anecdótico y de archivo –literal- en donde vemos a rememorar a Nick ciertos momentos que definieron su carrera musical a como hoy día la conocemos.